Expérimenter la cocréation par la photographie + lancement de la Revue Why…Not!

Collective exhibition: Louise Schmidt, Jean Philippy, Natalie Viktor Retali, Antonio Granatelli, Olivier-John, Justine Guerriat

EN As part of Photo Brussels Festival, La Maison Commune de l’Asbl Cultures & Publics aims to present a photographic co-creation in the form of an exquisite corpse. The exhibition will not showcase individual artists’ work but will be the outcome of an experimental co-creation effort. Each photographer will respond to another photographer through a photographic act. The exhibition will focus on this concept of co-creation, a concept that is also being explored in the context of a photo magazine with the same name, currently in progress.

FR Dans le cadre du Photo Brussels Festival, la Maison Commune de l’Asbl Cultures & Publics souhaite présenter une cocréation photographique sous la forme d’un cadavre exquis. L’exposition ne présentera pas le travail individuel d’artistes mais sera le résultat d’un travail expérimental de cocréation. Chaque photographe répondra à un.e autre photographe par un acte photographique. L’exposition eposera sur ce concept de cocréation, concept également investi dans le cadre d’une revue photo du même nom, en cours de réalisation.

NL Als onderdeel van het Photo Brussels Festival streeft La Maison Commune de l'Asbl Cultures & Publics ernaar een fotografische co-creatie te presenteren in de vorm van een 'exquisite corpse'. De tentoonstelling zal niet het individuele werk van kunstenaars laten zien, maar zal het resultaat zijn van een experimentele co-creatie-inspanning. Elke fotograaf zal reageren op een andere fotograaf door middel van een fotografische handeling. De tentoonstelling zal zich richten op dit concept van co-creatie, een concept dat ook wordt onderzocht in het kader van een fotomagazine met dezelfde naam, dat momenteel in ontwikkeling is.

ASBL Cultures & Publics
Rue Mercelis 81
1050 Brussels
023803818
rosanna.graceffa@cutluresetpublics.be
https://www.culturesetpublics.be 
Open: Monday, Tuesday, Thursday & Friday - 10am - 5pm

Le Logis-Floréal, une cité en-visagée

collective exhibition: Olivia DROESHAUT, Julien POHL, Michel GELINNE et Géraldine THOMAS + «PREMIERS PAS DERRIÈRE LA PORTE» - Nicolas ANDRY

EN The garden cities of Logis-Floréal: people are born there, they arrive, they live there, they grow old there, and sometimes they pass away. A multitude of individuals, experiences, and stories coexist and intersect, and their portraits, the visible and emotional aspect, unveil our shared humanity. This project involved around a hundred people, from 0 to 100 years old, with the aim of creating their portraits with an artistic approach and, through this collection, showcasing the diversity of the residents of the garden cities. The shootings took place over three months in vacant houses of Logis – Floréal, also highlighting the architectural features of the garden city heritage and revealing traces of the previous inhabitants' presence in these houses.

FR Les cités-jardins du Logis-Floréal, on y naît, on y arrive, on y vit, on y vieillit, on y meurt parfois. Autant d’individualités, de vécus et d’histoires qui cohabitent et qui se croisent, et dont le portrait, face visible et sensible, révèle notre commune humanité. Ce projet a mobilisé une centaine de personnes, entre 0 et 100 ans, le but était de réaliser leur portrait avec une approche artistique et de montrer par cet ensemble toute la diversité des habitantes et des habitants des cités-jardins.  Les prises de vue ont eu lieu pendant trois mois dans des maisons vides du Logis – Floréal, mettant également en valeur les caractéristiques architecturales du patrimoine de la cité-jardin, et laissant apparaître les traces du passage des habitants précédents dans ces maisons

NL De tuinsteden van Logis-Floréal, hier wordt geboren, hier komt men aan, hier leeft men, hier wordt men oud, soms sterft men hier. Zoveel individualiteiten, ervaringen en verhalen die naast elkaar bestaan en elkaar kruisen, en waarvan het portret, het zichtbare en voelbare gezicht, onze gemeenschappelijke menselijkheid onthult. Dit project heeft ongeveer honderd mensen tussen 0 en 100 jaar gemobiliseerd, met als doel hun portret te creëren met een artistieke benadering en door dit geheel de diversiteit van de bewoners van de tuinsteden te tonen. De opnames vonden gedurende drie maanden plaats in lege huizen van Logis – Floréal, waarbij ook de architecturale kenmerken van het erfgoed van de tuinstad werden benadrukt en sporen van de vorige bewoners in deze huizen zichtbaar werden.

Gare de Watermael-Boitsfort
Avenue des Taillis, 2
1170 Bruxelles
0490/52 20 29
gthomas@lelogisfloreal.be
https://www.lelogisfloreal.be/expo/
Open: Wednesday to Sunday - 2pm - 6pm
Nocturnal on Fridays until 9pm
Exhibition will be closed on 3rd February

Un peu plus qu’une image

collective exhibition: Charles Chojnacki, Didier Engel, mar villapalos, Françoise Lerusse, José Azagra

EN Is this a counterculture in the age of internet images? For a generation now, seemingly eclectic photographic creations have been challenging the new image standards. Many prefer to use rudimentary equipment or even go without a camera, exploring the heritage of photographic processes, hybridizing images and objects, amplifying photography into installations, or combining photography with textile craftsmanship. Activism and poetry blend together to propose worlds where materiality, gestures, and reconciliation with nature are at the forefront. It is within the body of photography that artists seek to reinterpret the world and invent new ones, through utopias where the imagination allows us to move beyond the worship of images.

FR Est-ce une contre-culture à l’heure de l’image sur Internet ? Depuis une génération, des créations photographiques en apparence éclectiques prennent le contre-pied des nouveaux standards de l’image. Beaucoup préfèrent photographier avec du matériel rudimentaire ou même se passer d’appareil, explorent le patrimoine des procédés, hybrident l’image et les objets, amplifient la photographie en installations ou bien encore associent photographie et artisanat textile. Activisme et poésie se mêlent pour proposer des mondes où il est question de matérialité, de gestes, de réconciliation avec la nature: cest dans le corps de la photographie que les artistes cherchent à relire le monde et en inventer de nouveaux, par des utopies où l’imaginaire permet de dépasser le culte des images.

NL Is dit een tegencultuur in het tijdperk van internetbeelden? Al een generatie lang dagen schijnbaar eclectische fotografische creaties de nieuwe beeldstandaarden uit. Velen geven de voorkeur aan het gebruik van rudimentaire apparatuur of zelfs zonder camera, waarbij ze het erfgoed van fotografische processen verkennen, beelden en objecten hybridiseren, fotografie versterken in installaties of fotografie combineren met textiele kunstnijverheid. Activisme en poëzie vermengen zich tot werelden waarin materialiteit, gebaren en verzoening met de natuur op de voorgrond staan. Het is binnen het lichaam van de fotografie dat kunstenaars proberen de wereld te herinterpreteren en nieuwe werelden uit te vinden, door middel van utopieën waarin de verbeelding ons in staat stelt om verder te gaan dan het aanbidden van beelden.

A Little Gallery
0484 500 441
Rue Lebeau 45
1000 Brussels
alittlegallery2@gmail.com
www.alittlegallery.com
Open: Monday to Wednesday - 11am - 6pm (or by appointment)
Thursday to Saturday - 11am - 7pm (or by appointment)

Les Fleurs

France Dubois

EN Two trees that bloom in turn, engaging in a silent and imperceptible conversation for humans, serving as markers for everything that comes, goes away, and returns. Nothing lasts; everything repeats itself, seems to tell us France Dubois as she observes year after year the blossoming of the same magnolia and cherry tree. It’s a gesture that is not static but signifies a cyclical rebirth that only spring allows.

FR Deux arbres qui fleurissent tour à tour, dans une conversation silencieuse et imperceptible pour les humains, marqueurs de tout ce qui arrive, qui disparaît et qui revient. Rien ne dure, tout se répète, semble nous raconter France Dubois en observant année après année la floraison du même magnolia et du même cerisier, dans un geste qui n’est pas figé, mais qui marque une renaissance cyclique que seul le printemps permet.

NL Twee bomen die elkaar afwisselend in bloei staan, in een stille en onmerkbare conversatie voor mensen, als markers van alles wat komt, verdwijnt en terugkeert. Niets blijft permanent, alles herhaalt zich, lijkt ons te vertellen France Dubois, terwijl ze jaar na jaar de bloei van dezelfde magnolia en kersenboom observeert. Het is geen starre daad, maar markeert een cyclische wedergeboorte die alleen de lente mogelijk maakt.

The Palm Beach
Rue Meyerbeer 61
1190 Brussels
0474 86 42 45
sandrineviumasia@thepalmbeach.be
www.thepalmbeach.be
Open: from Thursday to Saturday - 2pm - 6pm

During the carnaval holidays (Feb 15-25) the gallery will be open on Saturdays ONLY and by appointment 0474 86 42 45 / Close on Thursday and Friday

Jacques Sonck

EN With his solo exhibition at the A Foundation, Sonck brings his intimate portraits to Brussels for the first time. Besides celebrating human diversity, his works also question the concept of ‘normality’. Can ‘normal’ still exist when everyone is different and embraces otherness? The portrait series raises such questions and illustrates in a completely random way the diversity of Flemish society since the 1970s. The exhibition is organised in collaboration with Gallery FIFTY ONE.

FR Grâce à son exposition personnelle à la Fondation A, Jacques Sonck présente pour la première fois ses portraits intimes à Bruxelles. En plus de célébrer la diversité, ses oeuvres remettent en question le concept de normalité. La ‘normalité’ existe-t-elle encore quand chacun est différent et tient à son altérité ? Une question soulevée par cette série de portraits, qui illustre de manière tout à fait aléatoire l’hétérogénéité de la société depuis les années 1970. L’exposition est organisée en collaboration avec la Galerie Fifty One.

NL Dankzij zijn solotentoonstelling in de A Stichting presenteert Jacques Sonck voor het eerst zijn intieme portretten in Brussel. Naast het vieren van diversiteit, stellen zijn werken het concept van normaliteit in vraag. Bestaat 'normaliteit' nog wanneer iedereen anders is en vasthoudt aan zijn eigenheid? Een vraag opgeworpen door deze reeks portretten, die op volstrekt willekeurige wijze de heterogeniteit van de samenleving sinds de jaren 1970 illustreert. De tentoonstelling wordt georganiseerd in samenwerking met Galerie Fifty One.

Curator: Roger Szmulewicz

A Foundation
Av. Van Volxem 304
1190 Brussels
02 502 38 78
info@fondationastichting.be
www.fondationastichting.com
Open: from Thursday to Sunday - 11am - 6pm / Friday : 1pm - 6pm

ARSO : A Riso Space Odyssey

Stijn Van der Linden

EN The Tipi bookshop is inviting the artist Stijn Van der Linden behind the risography printer-lab : Risoom to create a nebulae of prints on the windows of the Tipi bookshop. A nebula is a giant cloud of dust and gas in space, Some nebulae come from the gas and dust thrown out by the explosion of a dying star, such as a supernova. 
All the prints that will be displayed will be for sale.

FR La librairie Tipi invite l'artiste Stijn Van der Linden du studio d'impression en risographie :Risoom à créer une nébuleuse d'impressions dans les vitrines de la librairie Tipi. Une nébuleuse est un nuage géant de poussière et de gaz dans l'espace. Certaines nébuleuses proviennent du gaz et de la poussière rejetés par l'explosion d'une étoile mourante, comme une supernova.
Tous les tirages qui seront exposés seront à vendre.

NL La librairie Tipi nodigt kunstenaar Stijn Van der Linden van de risografie studio Risoom uit om een nevel van afdrukken te creëren in de etalages van de Tipi-boekhandel. Een nevel is een gigantische wolk van stof en gas in de ruimte. Sommige nevels ontstaan uit het gas en stof dat wordt uitgestoten door de explosie van een stervende ster, zoals een supernova. Alle tentoongestelde afdrukken zullen te koop zijn.

Tipi Bookshop
Rue de l’Hôtel des Monnaies 186
1060 Bruxelles
tipi.bookshop@gmail.com
https://www.tipi-bookshop.be/
Monday to Saturday, 10am - 6pm

Open School

Collective exhibition

EN The photographic act is an act of creation, often individual, but its outcome is intended for public mediation and exhibition. In order to establish connections between these future young photographers and the Photo Brussels Festival audience, the students will share their research, working processes, and experiments. Photography instructors from La Cambre (Hervé Charles, David De Beyter, Emmanuelle Indekeu, Kamand Razavi) will join them in this endeavor.

FR L’acte photographique est un acte de création, souvent individuel, mais dont le résultat est destiné à la médiation et à la monstration publique. Afin de créer des liens entre ces futur.es jeunes photographes et le public du BPF, les étudiant.es partageront leurs recherches, leur processus de travail et leurs expérimentations. Des enseignant.es en photographie de la Cambre (Hervé Charles, David De Beyter, Emmanuelle Indekeu, Kamand Razavi) se relaieront à leurs cotés.

NL The photographic act is een daad van creatie, vaak individueel, maar het resultaat is bedoeld voor publieke bemiddeling en tentoonstelling. Om verbindingen te leggen tussen deze toekomstige jonge fotografen en het publiek van het Photo Brussels Festival, zullen de studenten hun onderzoek, werkprocessen en experimenten delen. Fotografie-instructeurs van La Cambre (Hervé Charles, David De Beyter, Emmanuelle Indekeu, Kamand Razavi) zullen zich bij hen aansluiten in deze onderneming.

La Cambre photography
Rue Simonis 33
1050 Bruxelles
lacambre@lacambre.be
https://www.lacambre.be/

Capturing the uncanny

Joëlle Van Autreve

EN Almost invariably, nudes are at the core of Joëlle Van Autreve’s photographs. But what she reveals is not so much the bodies of the models, even less a description as «Objects of Desire.» What she primarily aims to express is that subcutaneous, sensual, and suffocating tone, which she describes with words like ‘discomfort,’ and is very close to the ‘strangeness’ described by Sigmund Freud and others with almost untranslatable terms like ‘Unheimlich’ and ‘Uncanny.’ For Joëlle, «It’s just much more powerful to see an angry woman walking around naked rather than clothed.» Max Borka on Joëlle Van Autreve's 'Capturing the Uncanny' series.

FR Presque invariablement, les nus sont au cœur des photographies de Joëlle Van Autreve. Mais ce qu’elle révèle, ce ne sont pas tant les corps des modèles, encore moins une description comme des  ‘Objets de Désir’... Ce qu’elle veut exprimer avant tout, est ce ton sous-cutané sensuel et étouffant qu’elle décrit avec des mots comme ‘malaise’ et qui est très proche de l’’étrangeté’ qui est décrite par Sigmund Freud et d’autres avec des termes presque intraduisibles tels que ‘Unheimlich ‘et ‘Uncanny’. Pour Joëlle : “Il est tout simplement bien plus puissant de voir une femme en colère se promener nue plutôt qu’habillée.” Propos de Max Borka au sujet de la série ‘Capturing the Uncanny’ de Joëlle Van Autreve.

NL Bijna altijd staan naakten centraal in de foto's van Joëlle Van Autreve. Maar wat ze onthult zijn niet zozeer de lichamen van de modellen, nog minder een beschrijving als "Objects of Desire". Wat ze vooral wil uitdrukken is die onderhuidse, sensuele en verstikkende toon, die ze beschrijft met woorden als 'ongemak' en die heel dicht aanleunt bij de 'vreemdheid' die Sigmund Freud en anderen beschreven met bijna onvertaalbare termen als 'Unheimlich' en 'Uncanny'. Voor Joëlle "is het gewoon veel krachtiger om een boze vrouw naakt te zien rondlopen in plaats van gekleed." Max Borka over Joëlle Van Autreve's 'Capturing the Uncanny' serie.

Galerie Emilie Dujat
Rue de l’Abbaye 8B
1050 Brussels
+32 475 83 31 67
emilie.dujat@gmail.com
https://emiliedujat.com/
Open : from Thursday to Saturday- 2 pm-6pm
or on appointment

Landschap

Pablo Avendaño 

EN Beyond mere appropriation or picturesque photography, Landschap series of photography states an inhibited will to “impersonate” Dutch and Italian landscape painting tradition. The viewer is disconcerted and needs a second look to state the deception in a both playful and aesthetic way. A canonical bacchanal composition may conceal here a contemporary festival gathering… Moving away from the photographic formalisms of recent decades, that were rather concerned with "manufacturing" narratives (through the arrangement of actors, props or sets), I have preferred to return to traditional photographic caption, in the search of what we could call "found narratives». These are common situations that transcend our immediate daily life to transform them into the idyllic spaces of the locus amoenus.

FR Au-delà de la simple appropriation ou de la photographie pittoresque, la série de photographies Landschap témoigne une volonté inhibée de jouer avec la tradition de la peinture de paysage hollandaise et italienne. Le spectateur se trouve déconcerté, il a besoin d'un second regard pour se rendre compte de la supercherie, à la fois ludique et esthétique. Une composition d’une bacchanale canonique peut dérober ici le rassemblement de festival contemporain... En m’éloignant des formalismes photographiques de ces dernières décennies, qui s'attachaient plutôt à "fabriquer" des récits (par l'agencement d'acteurs, d'accessoires ou de décors), j'ai préféré revenir à la photographique traditionnelle, à la recherche de ce que l'on pourrait appeler des "récits trouvés". Il s'agit de situations communes qui transcendent notre vie quotidienne immédiate pour les transformer en espaces idylliques du locus amoenus.

NL De Landschap fotoserie gaat verder dan louter toe-eigening of schilderachtige fotografie en uit een belemmerde wil om de traditie van het Nederlandse en Italiaanse landschapsschilderen 'te personifiëren'. De kijker raakt van streek en moet een tweede blik werpen om de misleiding op een speelse en esthetische manier vast te stellen. Een klassieke bacchanale compositie kan hier een hedendaags festival bijeenkomst verbergen... Weg van de fotografische formalismen van recente decennia, die eerder bezig waren met het 'fabriceren' van verhalen (door de opstelling van acteurs, rekwisieten of sets), heb ik de voorkeur gegeven aan terugkeren naar de traditionele fotografische onderschrift, in de zoektocht naar wat we 'gevonden verhalen' zouden kunnen noemen. Dit zijn alledaagse situaties die onze directe dagelijkse leven overstijgen en ze omvormen tot idyllische ruimtes van de 'locus amoenus

Ambassade d’Espagne en Belgique
Rue de la Science 19
1040 Brussels
022300340
emb.bruselas.ofc@maec.es
www.spainculture.be
Open: from Monday to Friday - 9am - 1pm

Kinshasa 1960’s - 2020’s

Jean Depara & Alain Polo Nzuzi

EN In 1960,  Congo rejoices in its independence. The days and nights of Kinshasa are seen through the eyes of maverick photographer Jean Depara: nights, clubs, musicians, pretty women, hoodlums, «Bills», bodybuilders.... Three generations apart, the Kinshasa of 2020 is interpreted by Alain Nzuzi Polo, 30, the same age as Depara was then. His poetic universe creates an unexpected framework for today’s disrupted, saturated, chaotic landscape. Two artistic journeys rooted in the unique city of Kinshasa: different sensualities but the same vitality. The exhibition is curated by Jean Loup Pivin and Pascal Martin Saint Léon, founders of the iconic Revue Noire.

FR En 1960, le Congo célèbre son indépendance. Les jours et les nuits de Kinshasa se dévoilent à travers l'objectif du photographe rebelle Jean Depara : nuits vibrantes, clubs en effervescence, musiciens talentueux, femmes séduisantes, truands, « Bills », culturistes... Trois générations plus tard, Kinshasa en 2020 se dévoile à travers l'œil d'Alain Nzuzi Polo, âgé de 30 ans, tout comme l'était Depara à l'époque. Son univers poétique crée un cadre inattendu pour le paysage actuel, perturbé, saturé et chaotique. Deux parcours artistiques enracinés dans la ville unique de Kinshasa : des sensualités différentes, mais une même vitalité. L'exposition est curatée par Jean Loup Pivin et Pascal Martin Saint Léon, fondateurs de l'emblématique Revue Noire.

NL In 1960 viert Congo zijn onafhankelijkheid. De dagen en nachten van Kinshasa worden gezien door de ogen van de eigenzinnige fotograaf Jean Depara: nachten, clubs, muzikanten, mooie vrouwen, schurken, "Bills", bodybuilders... Drie generaties later wordt Kinshasa in 2020 geïnterpreteerd door Alain Nzuzi Polo, 30 jaar oud, dezelfde leeftijd als Depara destijds. Zijn poëtisch universum creëert een onverwacht kader voor het huidige verstoord, verzadigd, chaotisch landschap. Twee artistieke reizen geworteld in de unieke stad Kinshasa: verschillende sensualiteiten maar dezelfde vitaliteit. De tentoonstelling wordt samengesteld door Jean Loup Pivin en Pascal Martin Saint Léon, oprichters van het iconische Revue Noire.

Cloud Seven
Quai du Commerce 7
1000 Brussels
0470 38 28 30
info@cloudseven.be
www.cloudseven.be
Open: from Tuesday to Friday - 2pm - 6pm
Saturday, January 20, 2024: Vernissage Cloud Seven.
Thursday, January 25, 2024: Nocturne for the official start of PhotoBrussels Festival.
Saturday, January 27, 2024: Extra opening day.
Saturday, February 3, 2024: Extra opening day.
Saturday, February 10, 2024: Extra opening day.

Constellation of Nitrate

Lucas Leffler

EN Young artist Lucas Leffler (Virton, 1993) uses earth – indeed, in a completely surprising manner – by applying it to photography in an experimental form. Mud, which is collected in what remains of the  Zilverbeek (‘silver stream’), where the Agfa-Gevaert photographic plant has been dumping its argentiferous waste water for several decades, is then mixed with photosensitive material, on which the artist projects silver images that are halfway between poetry and documentary. His photo-paintings depict the history of pollution, but also talk about burial and the memory of the soil, which retains traces of human activities. 

FR Le jeune artiste Lucas Leffler (Virton, 1993) utilise la terre - d’une manière tout à fait surprenante - en l’appliquant à la photographie sous une forme expérimentale. La boue, recueillie dans ce qui reste du Zilverbeek («ruisseau d’argent»), où l’usine photographique Agfa-Gevaert a déversé ses eaux usées argentifères pendant plusieurs décennies, est ensuite mélangée à un matériau photosensible, sur lequel l’artiste projette des images argentiques à mi-chemin entre la poésie et le documentaire. Ses photo-peintures retracent l’histoire de la pollution, mais parlent aussi de l’enfouissement et de la mémoire du sol, qui conserve les traces des activités humaines.

NL De jonge kunstenaar Lucas Leffler (Virton, 1993) gebruikt op een verrassende manier aarde in zijn experimentele benadering van fotografie. De modder, verzameld in wat overblijft van de Zilverbeek («zilveren beek»), waar de fotografische fabriek Agfa-Gevaert decennialang zijn zilverhoudend afvalwater heeft geloosd, wordt vervolgens vermengd met lichtgevoelig materiaal, waarop de kunstenaar analoge beelden projecteert die ergens tussen poëzie en documentaire liggen. Zijn foto-schilderijen vertellen het verhaal van vervuiling, maar gaan ook over begraven en het geheugen van de grond, die sporen van menselijke activiteiten bewaart.

Lee Bauwens Gallery
Rue du Charme 36
1190 Brussels
0475 41 19 63
hello@leebauwens.com
https://www.leebauwens.com/
Open: Thursday to Saturday - 2pm - 6pm

INGEBORG: INSIDE VIEW

Ingeborg Selleslags

EN Antwerp art photographer Ingeborg Selleslags, a 2016 victim of the national airport attacks, uses large format portraits in Van Dyke and Cyanotypes to create intricate, long, and meticulous works. These images, created in silence and solitude, explore the vulnerability of leaving life and the loneliness of the last breath of life, ultimately allowing the artist to accept and admire death’s beauty.

FR La photographe d’art anversoise Ingeborg Selleslags, victime des attentats de l’aéroport national en 2016, réalise des portraits grand format en Van Dyke et Cyanotypes pour créer des œuvres complexes, longues et méticuleuses. Ces images, créées dans le silence et la solitude, explorent la vulnérabilité de quitter la vie et la solitude du dernier souffle de la vie, permettant finalement à l’artiste d’accepter et d’admirer la beauté de la mort.

NL De Antwerpse kunstfotograaf, in 2016 slachtoffer van de nationale luchthavenaanvallen, gebruikt portretten op groot formaat in Van Dyke en Cyanotypes om ingewikkelde, langdurige en nauwgezette werken te creëren. Deze beelden, gemaakt in stilte en eenzaamheid, onderzoeken de kwetsbaarheid van het verlaten van het leven en de eenzaamheid van de laatste levensadem, waardoor de kunstenaar uiteindelijk de schoonheid van de dood kan accepteren en bewonderen.

Tiny Gallery
Rue de la Cuve 26
1050 Bruxelles
0475 27 95 56
ogc@ogc.be
https://tinygallery.photo
Open: Wednesday to Sunday - 3pm - 6pm

(s’)empouvoirer 

Collective exhibition: Hélène Amouzou, Anne De Gelas, France Dubois, Hanane El Farissi, Clyde Lepage  

EN The artists gathered here turn the lens towards themselves, questioning their relationship to the body, the family or the domestic, asserting their identity and taking their place, with subjects that border on the intimate and the political, the private and the public. Rooted in the histories of art and feminism, this exhibition explores the liberating and emancipating action of representing oneself and, through shared experiences, of representing those who are invisibilised. To empower oneself and to empower others.

FR Les artistes rassemblées tournent l'objectif vers elles pour interroger leur rapport au corps, à la famille ou au domestique, pour affirmer leur identité, pour prendre leur place. Des sujets à la frontière de l’intime et du politique, du privé et du public. Ancrée dans les histoires de l’art et du féminisme, cette exposition explore l’action libératrice et émancipatrice de se représenter et, par des expériences partagées, de représenter celles qui sont invisibilisées. S’empouvoirer et empouvoirer.

NL De kunstenaars hier verzameld richten de lens op zichzelf en bevragen hun relatie tot het lichaam, het gezin of het huiselijke, ze bevestigen hun identiteit en nemen hun plaats in, met onderwerpen die grenzen aan het intieme en het politieke, het private en het publieke. Geworteld in de geschiedenissen van kunst en feminisme, verkent deze tentoonstelling de bevrijdende en emanciperende daad van zelfrepresentatie en, door gedeelde ervaringen, de representatie van degenen die onzichtbaar zijn gemaakt. Om zichzelf en anderen te versterken.

Centre culturel Jacques Franck
Chaussée de Waterloo 94
1060 Brussels
025389020
 info@lejacquesfranck.be 
https://www.lejacquesfranck.be
Open: Wednesday to Friday - 11am - 6:30pm
Saturday to Sunday - 2pm - 6:30pm

Chronicles of the Ordinary

Elsa & Johanna

EN Jean de Malherbe and Elsa & Johanna have been working together since 2017. At that time, he organized the first gallery exhibition for the two young artists at Galerie La Forest Divonne in Brussels. For the PhotoBrussels Festival 2024, they revisit their journey together, spanning through the successive series that have brought recognition to the photographer duo, from «A Couple of Them» (2014-2016) to «Douze heures du jour et de la nuit» (2023), including «The Timeless Story of Moormerland» (2021-2022), «Palace Odyssée» (2020), “Le reflet de la cuillère (2017) and «Beyond the Shadows» (2018-2019). Elsa & Johanna are the models of their own images, changing gender, role, age or emotion in turn, to the rhythm of the settings that touch and inspire them. Together, Johanna Benaïnous and Elsa Parra have created a language and atmosphere that have won them numerous awards and, from 2022, a retrospective at the Städtische Galerie in Karlsruhe and a solo show at the Maison Européenne de la Photographie.

FR Jean de Malherbe et Elsa&Johanna travaillent ensemble depuis 2017. Il avait alors organisé la première exposition en galerie des deux jeunes artistes, à la Galerie La Forest Divonne Bruxelles. Pour le PhotoBrussels Festival 2024, ils reviennent ensemble sur ce parcours, à travers les séries successives qui ont fait connaître le duo de photographe, de A Couple of Them (2014-2016) aux Douzes heures du jour et de la nuit (2023), en passant par Moormerland (2021-2022), Palace Odyssée (2020) et Beyond the Shadows (2018-2019). Elsa & Johanna sont les modèles de leur propres images, changeant tour à tour de sexe, de rôle, d'âge ou d'émotion, au rythme des décors qui les touchent et les inspirent. Ensemble, Johanna Benaïnous et Elsa Parra ont construit un langage et une atmosphère salués par de nombreux prix et dès 2022 par une rétrospective à la Städtische Galerie de Karlsruhe et une exposition solo à la Maison Européenne de la Photographie. 

NL Jean de Malherbe en Elsa & Johanna werken sinds 2017 samen. Destijds organiseerde hij de eerste tentoonstelling in de galerie voor de twee jonge kunstenaars, bij Galerie La Forest Divonne in Brussel. Voor het PhotoBrussels Festival 2024 kijken ze samen terug op deze reis, door de opeenvolgende series die het fotografi duo bekend hebben gemaakt, van A Couple of Them (2014-2016) tot Douze heures du jour et de la nuit (2023), via Moormerland (2021-2022), Palace Odyssée (2020) en Beyond the Shadows (2018-2019). Elsa & Johanna zijn de modellen in hun eigen beelden, wisselend van geslacht, rol, leeftijd of emotie, in het ritme van de decors die hen raken en inspireren. Samen hebben Johanna Benaïnous en Elsa Parra een taal en sfeer gecreëerd die geprezen wordt met talloze prijzen, en sinds 2022 met een retrospectief in de Städtische Galerie in Karlsruhe en een solotentoonstelling in het Maison Européenne de la Photographie.

Galerie La Forest Divonne
Rue de l'Hôtel des Monnaies 66
1060 Bruxelles
+ 32 (0) 25 44 16 73
brussels@galerielaforestdivonne.com
https://www.galerielaforestdivonne.com
Open: Tuesday to Saturday - 11pm - 7pm

Marina Gadonneix

EN Galerie Christophe Gaillard Brussels is delighted to present an exhibition dedicated to the work of the French photographer Marina Gadonneix (born in 1977), who is passionate about hidden places and the mysteries that they reveal. Materiality and immateriality, colorful lights and spectrums, presence and absence, or reality and fiction, are recurrent dualities found in her photographs.

FR La Galerie Christophe Gaillard Bruxelles est heureuse de présenter une exposition consacrée aux oeuvres de la photographe française Marina Gadonneix (née en 1977), passionnée par les lieux cachés et les mystères que ces derniers peuvent révéler. Matérialité et immatérialité, lumières et spectres colorés, présence et absence ou encore réalité et fiction, sont des dualités récurrentes que l'on retrouve dans les photographies de cette artiste.

NL Galerie Christophe Gaillard Brussel is verheugd een tentoonstelling te presenteren gewijd aan het werk van de Franse fotografe Marina Gadonneix (geboren in 1977), die gepassioneerd is door verborgen plaatsen en de mysteries die ze onthullen. Materialiteit en immaterialiteit, kleurrijke lichten en spectrums, aanwezigheid en afwezigheid, of realiteit en fictie, zijn terugkerende dualiteiten die aanwezig zijn in haar foto's.

Galerie Christophe Gaillard
Quai du Commerce 50
1000 Brussels
brussels@galerie-gaillard.com
https://galeriegaillard.com
Open: Wednesday to Saturday - 12pm - 6pm

Bruxelles, une ode en noir et blanc

Eric Ostermann

EN Eric Ostermann is a self-taught photographer hailing from Ixelles. His primary subject is Brussels: he wanders through the city, seeking to provide a fresh perspective on these «common» places with new viewpoints, from rooftops to ground level. Bruxelles, une ode en noir et blanc showcases a compilation of photographs captured by Eric Ostermann during his walks throughout the city. It invites viewers to travel through time while highlighting the timeless beauty of the present.

FR Eric Ostermann est un photographe autodidacte originaire d’Ixelles. Son principal sujet est Bruxelles : il s’y balade et cherche à apporter un regard neuf sur ces lieux « communs » grâce à de nouveaux points vues, du haut des toits au ras du sol.Bruxelles, une ode en noir et blanc, présente une compilation de photographies capturées par Eric Ostermann au cours de promenades à travers la ville, invitant à voyager dans le temps tout en mettant en lumière la beauté intemporelle du présent.

NL Eric Ostermann is een autodidactische fotograaf afkomstig uit Elsene. Zijn belangrijkste onderwerp is Brussel: hij wandelt er rond en probeert een frisse blik te werpen op deze "gewone" plaatsen door nieuwe gezichtspunten te bieden, vanaf de daken tot op de grond. "Bruxelles, une ode en noir et blanc" presenteert een compilatie van foto's die door Eric Ostermann zijn vastgelegd tijdens wandelingen door de stad, waarbij het uitnodigt om door de tijd te reizen terwijl het de tijdloze schoonheid van het heden benadrukt.

Parlement Francophone Bruxellois
Rue du Lombard 77
1000 Bruxelles
02 504 96 21
vvalentin@parlementfrancophone.brussels
www.parlementfrancophone.brussels/accueil
Open: from Monday to Friday - 9:30am - 5pm

Spirit of the forest

Fab Rideti

EN There is something mythical to forests: they symbolize life’s origins, home to our deepest fears and most profound hopes, to reassuring and more disturbing creatures inherited from pagan traditions. Man ceased to listen to these guardians of the origins. The forest has become a raw material, reduced to paper pulp, to packaging, enslaved to our new emergencies of non-essential e-deliveries. With e-Forest, Fab Rideti invites us to think twice about our consumerist frenzy using her usual combination of art with a twist of humor and poetry. She brings mythical beings back into the forest, dressed in recycled carton: elves, driads, fauna or centaurs…

FR La forêt incarne notre part d’ombre et de rêve, et nous a longtemps fascinés au travers des entités maléfiques ou protectrices qui peuplent notre inconscient. L’homme a cessé d’écouter ces gardiens des origines et la forêt est devenue matière première, réduite en pâte à papier, en emballage, asservie à nos nouvelles urgences de e-livraisons non essentielles. Avec e-Forest, Fab Rideti combine à nouveau art et dérision pour nous faire réfléchir à notre frénésie consumériste. Avec du carton d’emballage récupéré  elle repeuple la forêt des figures mythiques qui l’habitent en secret depuis des millénaires: elfes, driades, faune ou centaures.

NL Er zit iets mythisch in bossen: ze symboliseren de oorsprong van het leven, zijn de thuisbasis van onze diepste angsten en meest diepgaande hoop, van geruststellende en meer verontrustende wezens geërfd uit heidense tradities. De mens heeft opgehouden te luisteren naar deze bewakers van de oorsprong. Het bos is een grondstof geworden, teruggebracht tot papierpulp, tot verpakking, tot slaaf gemaakt van onze nieuwe noodsituaties van niet-essentiële e-leveringen. Met e-Forest nodigt Fab Rideti ons uit om twee keer na te denken over onze consumentistische razernij met behulp van haar gebruikelijke combinatie van kunst met een vleugje humor en poëzie. Ze brengt mythische wezens terug in het bos, gekleed in gerecycled karton: elfen, dryaden, fauna of centauren...

Frédérick Mouraux Gallery
Chaussée de Waterloo 690
1180 Brussels
0499 82 03 35
fab.rideti@yahoo.com
https://www.frederickmourauxgallery.com/
Open: from Tuesday to Saturday - 11am - 6pm

The Individual Below

Alexander Kadow & Franca Ravet

EN The exhibition brings together Alexander Kadow’s x-ray based photographs and Franca Ravet’s x-ray based paintings. In his photo series entitled The Individual Below, Alexander Kadow explores both the relationship of individuals to data sets in which they are embedded as an abstracted form, and the reference to reality of specific photographic techniques. His compositions contain montages of images generated by a specially developed algorithm trained with hundreds of x-ray images. These pictures raise the question as to what is or is not a faithful representation of reality, at a level where analog and digital technologies meet. Similar questions may arise as regards the paintings by Franca Ravet.

FR L'exposition réunit les photographies basées sur les rayons X d'Alexander Kadow et les peintures basées sur les rayons X de Franca Ravet. Dans sa série de photos intitulée "The Individual Below", Alexander Kadow explore à la fois la relation des individus avec des ensembles de données dans lesquels ils sont intégrés sous une forme abstraite, et la référence à la réalité de techniques photographiques spécifiques. Ses compositions contiennent des montages d'images générées par un algorithme spécialement développé et formé avec des centaines d'images aux rayons X. Ces images soulèvent la question de ce qui est ou n'est pas une représentation fidèle de la réalité, à un niveau où les technologies analogiques et numériques se rencontrent. Des questions similaires peuvent se poser en ce qui concerne les peintures de Franca Ravet.

NL De tentoonstelling brengt de op röntgenstralen gebaseerde foto's van Alexander Kadow samen met de op röntgenstralen gebaseerde schilderijen van Franca Ravet. In zijn fotoserie getiteld 'The Individual Below' onderzoekt Alexander Kadow zowel de relatie van individuen tot gegevenssets waarin ze zijn ingebed als een geabstraheerde vorm, als de verwijzing naar de realiteit van specifieke fotografische technieken. Zijn composities bevatten montages van beelden gegenereerd door een speciaal ontwikkeld algoritme dat is getraind met honderden röntgenbeelden. Deze foto's roepen de vraag op wat wel of niet een getrouwe representatie van de realiteit is, op een niveau waar analoge en digitale technologieën samenkomen. Soortgelijke vragen kunnen rijzen met betrekking tot de schilderijen van Franca Ravet.

Berlin Brussels Art Projects
Chaussée de Waterloo 690
1180 Brussels
info@bbap.art
https://bbap.art
Open: from Thursday to Saturday - 2pm - 6pm

Collective exhibition: Ann-Sophie Deproost & Elles Walschaerts

EN The drawing of Ann-Sophie Deproost starts where her photography ends. Her work doesn’t represent a tangible reality, but reveals a more imaginary and poetic interpretation of this reality in which everyday life is confronted with fragments of thoughts. Through a slow process in which coincidence gradually accumulates, the work starts to distance itself from its origin in reality and changes into a mental image. Landscape and urban motifs serve as a starting point for broaching themes such as time, stratification, process, and memory.

Elles Walschaerts – Shinrin Yoku
The practice of shinrin yoku, also known as “forest bathing”, has been used for thousands of years in Japan as a way of escaping the urbanization. Shinrin yoku is a form of therapy in which the senses are exposed to the forest atmosphere to improve health. Whilst practicing this form of meditation the photographer’s view on the forest was altered. This has been translated into images, using cyanotype as printing method.

FR L’art d’Ann-Sophie Deproost, entre dessin et photographie, explore les frontières des médias par des expérimentations variées. Ses compositions réfléchies guident le regard du spectateur, révélant de nouvelles strates entre les extrêmes. Chaque œuvre unique naît d’un processus lent, où le hasard s’accumule, éloignant l’art de sa réalité d’origine pour créer une image mentale. Les images de Deproost oscillent entre reconnaissance et étrangeté, mélangeant fragments de réalité et pensées. Paysages et scènes urbaines offrent un point de départ pour explorer le temps, la superposition, le processus et la mémoire. Chaque image capture un instant figé, transformant la  présence physique de l’exposition en une expérience unique.

Elles Walschaerts – Shinrin Yoku
La pratique du shinrin yoku, également appelée « bain de forêt », est utilisée au Japon depuis des millénaires comme moyen d'échapper à l'urbanisation. Le shinrin yoku est une forme de thérapie où les sens sont exposés à l'atmosphère forestière pour améliorer la santé. Pendant la pratique de cette forme de méditation, le regard du photographe sur la forêt a changé. Cela a été traduit en images grâce à l'utilisation de la cyanotypie comme méthode d'impression.

NL Ann-Sophie Deproost verkent de grenzen tussen tekenkunst en fotografie door te experimenten met verschillende technieken. Haar composities leiden de kijker naar nieuwe ontdekkingen tussen uitersten. Elke unieke creatie ontstaat door een langzaam proces waarbij toeval zich opstapelt, waardoor het kunstwerk verder afdrijft van de oorspronkelijke realiteit en een mentaal beeld wordt. Deproosts werken balanceren tussen herkenning en vervreemding, waarbij fragmenten van de realiteit versmelten met gedachtenflarden. Landschappen en stadsgezichten dienen als vertrekpunt om thema’s als tijd, gelaagdheid, proces en herinnering te verkennen. Elk beeld bevriest een moment, en de fysieke aanwezigheid tijdens de tentoonstelling maakt de ervaring uniek.

Elles Walschaerts – Shinrin Yoku
De beoefening van shinrin yoku, ook wel ‘bosbaden’ genoemd, wordt in Japan al duizenden jaren gebruikt als een manier om aan de verstedelijking te ontsnappen. Shinrin Yoku is een vorm van therapie waarbij de zintuigen worden blootgesteld aan de bosatmosfeer om de gezondheid te verbeteren.
Tijdens het beoefenen van deze vorm van meditatie veranderde de kijk van de fotograaf op het bos. Dit is vertaald in afbeeldingen met behulp van cyanotypie als afdrukmethode.

Nationale 8 Gallery
Chaussée de Waterloo 690
1180 Bruxelles
0496 80 70 74
info@nationale8gallery.be
www.nationale8gallery.be
Open: from Thursday to Saturday - 2pm - 6pm

Praxiteles’s Dream

Noé Sendas

EN A relentless collector of images, Noé Sendas (1972, Brussels) has always let photographs drawn from cinema or art history books, for instance play a crucial role in his work. Since 2010, Sendas has dedicated himself almost exclusively to photography, primarily searching out, collecting, and appropriating existing images for his works, in order to manipulate and subvert the originals as if he were sculpting a three-dimensional piece. In turning to photography as a field for experimenting with the metamorphoses of images, the artist recovers surrealist techniques (collage, superimposition) and updates them with digital technologies, allowing some of their aspects to be removed and remade.

FR Un collectionneur inlassable d’images, Noé Sendas (1972, Bruxelles), a toujours laissé des photographies tirées du cinéma ou d’ouvrages d’histoire de l’art jouer un rôle crucial dans son travail. Depuis 2010, Sendas s’est consacré presque exclusivement à la photographie, cherchant principalement, collectant et appropriant des images existantes pour ses œuvres, afin de manipuler et subvertir les originaux comme s’il sculptait une pièce en trois dimensions. En se tournant vers la photographie comme un domaine d’expérimentation des métamorphoses des images, l’artiste récupère des techniques surréalistes (collage, superposition) et les actualise avec des technologies numériques, permettant à certains de leurs aspects d’être supprimés et refaits.

NL Een onvermoeibare beeldenverzamelaar, Noé Sendas (1972, Brussel), heeft altijd foto's uit films of kunsthistorische werken een cruciale rol laten spelen in zijn werk. Sinds 2010 heeft Sendas zich bijna uitsluitend toegelegd op fotografie, waarbij hij voornamelijk bestaande beelden zoekt, verzamelt en zich eigen maakt voor zijn kunstwerken, om de originelen te manipuleren en te ondermijnen, alsof hij een driedimensionaal beeldhouwwerk creëert. Door zich tot fotografie te wenden als een terrein voor experimenten met beeldtransformaties, haalt de kunstenaar surrealistische technieken (collage, overlappen) naar boven en brengt ze up-to-date met digitale technologieën, waarbij bepaalde aspecten ervan worden verwijderd en opnieuw gecreëerd.

Hopstreet Gallery
Chaussée de Waterloo 690
11180 Brussels
0496544454
hop@hopstreet.be
https://www.hopstreet.be/
Open: Thursday to Saturday - 1pm - 6pm

Light. Darkness. (and some Smoke)

Michael ackerman

EN box galerie & L'Enfant Sauvage are pleased to collaborate for this exhibition of Michael Ackerman, the first in Belgium. Both venues present extensive excerpts from SMOKE, which is the subject of his latest book published by Editions de L’Axolotl, as well as a selection of his most iconic images.

FR box galerie & L'Enfant Sauvage sont heureux de s'associer pour cette exposition de Michael Ackerman, la première en Belgique. Les deux lieux proposent de larges extraits de SMOKE, qui a fait l’objet de son plus récent livre, publié par les éditions de L’Axolotl, ainsi qu’une sélection de ses images les plus emblématiques.

NL box galerie & L'Enfant Sauvage verheugen zich op de samenwerking voor deze tentoonstelling van Michael Ackerman, de eerste in België. Beide locaties tonen uitgebreide fragmenten uit SMOKE, dat het onderwerp is van zijn nieuwste boek, uitgegeven door Editions de L’Axolotl, evenals een selectie van zijn meest iconische beelden.

« Dès sa première exposition, en 1999, il s’est imposé comme porteur d’une écriture nouvelle, radicale et singulière. Son approche de Bénarès, réunie sous le titre End Time City, rompait avec tout exotisme, toute tentative de description, toute anecdote, pour questionner le temps et la mort avec une liberté qui lui permettait de passer du panoramique – dont il renouvelait l’usage – au carré ou au rectangle. En noir et blanc, avec une prise de risque permanente qui l’amenait à explorer des lumières impossibles, il laissait éclater le grain pour imposer des visions énigmatiques et prégnantes. Qu’il s’attache à garder trace des derniers moments de Time Square habité par des paumés ou des prostituées ou qu’il conserve, en Pologne ou en Italie, le souvenir de visions de lumière et de personnages étranges, il installe toujours un monde en déliquescence, flottant, au bord du gouffre. La tonalité est sombre, les images énigmatiques et tendues, le temps à la fois suspendu et en déséquilibre, le monde est taraudé par une douleur sourde, un mal-être permanent. De fait Michael Ackerman recherche – et trouve – dans le monde qu’il traverse les correspondances à son malaise personnel, à ses doutes permanents, à ses propres angoisses. Il l’avoue, discrètement, en réalisant régulièrement des autoportraits, qui n’ont rien de narcissique, mais qui disent qu’il sait appartenir à cet univers qui va mal. » - Christian Caujolle, in Agence VU’ Galerie, Photo Poche n°107, Actes Sud, 2006

In collaboration with L’Enfant Sauvage

Box Galerie
Chaussée de Vleurgat 102
1050 Ixelles
02 537 95 55
info@boxgalerie.be
www.boxgalerie.be
Wednesday to Saturday: 2pm-7pm

ARCHIPEL_1

collective exhibition: Francesca Comune, Aubane Filée, Lilly Lulay, Juliet Merie, Pascal Sgro, Antonin Weber

EN Archipel is a showcase for emerging contemporary photography and image-making on the Belgian scene. Six artists under the age of 40 have been selected by a jury of experts for the richness and quality of their aesthetic and formal research. Photography, video and installation are the means they have chosen to speak about their relationship with the world, between documentary testimony and poetic approach, from intimate resonances to societal questions, between gender issues and the flows of images.

FR Archipel est un coup de projecteur sur la création émergente actuelle sur la scène belge, dans le domaine de la photographie contemporaine et de l’image. Six artistes de moins de 40 ans ont été sélectionné.e.s par un jury d’expert.es. pour la pertinence et la qualité de leurs recherches esthétiques et formelles. Photographie, vidéo et installation sont les moyens qu’ils ont choisis pour parler de leur rapport au monde, entre témoignage documentaire et approche poétique, des résonances intimes aux questions sociétales, des questions de genre aux flux d’images.

NL Archipel werpt een schijnwerper op opkomende hedendaagse creatie op het Belgische toneel, binnen het domein van hedendaagse fotografie en beeldvorming. Zes kunstenaars jonger dan 40 jaar zijn geselecteerd door een panel van experts vanwege de relevantie en kwaliteit van hun esthetische en formele onderzoek. Fotografie, video en installatie zijn de middelen die ze hebben gekozen om te spreken over hun relatie tot de wereld, variërend van documentair getuigenis tot poëtische benadering, van persoonlijke resonanties tot maatschappelijke vraagstukken, van genderkwesties tot beeldstromen.

CONTRETYPE
Cité Fontainas 4A
1060 Brussels
02 538 42 20
info@contretype.org
www.contretype.org
Open: from Wednesday to Friday - 12pm - 6pm
Sunday - 1pm - 6pm

Femmes du Sud du Maroc (1933-1967) 

René Bertrand 

EN For several decades, between 1930 and 1967, the French photographer René Bertrand (1910-1979) captured the southern region of Morocco, the area around Marrakech, and the High Atlas Mountains. As a privileged witness, he used his medium-format film camera to photograph scenes of life and customs that are nearly extinct today. Practicing what is known as documentary photography, he provided us with incredible traces of Morocco’s cultural richness and history.

FR Durant plusieurs décennies, entre 1930 et 1967, le photographe français René Bertrand (1910-1979) a capturé le sud du Maroc, la région de Marrakech et le Haut-Atlas. Témoin privilégié, il a photographié, à l’aide de son appareil moyen format argentique, des scènes de vie et des coutumes aujourd’hui quasiment disparues. Pratiquant une photographie dite documentaire, il nous a offert quelques traces incroyables de la richesse culturelle et de l’histoire marocaine. 

NL Gedurende enkele decennia, tussen 1930 en 1967, legde de Franse fotograaf René Bertrand (1910-1979) het zuidelijke deel van Marokko, de omgeving van Marrakech en het Hoge Atlasgebergte vast. Als bevoorrechte getuige gebruikte hij zijn middenformaat filmcamera om scènes van het leven en de gebruiken te fotograferen die vandaag de dag bijna uitgestorven zijn. Door wat bekend staat als documentaire fotografie toe te passen, heeft hij ons ongelooflijke sporen nagelaten van de culturele rijkdom en geschiedenis van Marokko.

Co-production: Espace Magh and Bertrand Vandeloise
Artistic director: Bertrand Vandeloise
With the kind permission of André Bertrand

Centre Culturel Espace Magh
Rue du Poinçon 17
1000 Brussels
02 274 05 10
 reservation@espacemagh.be
https://www.espacemagh.be/
Open: Monday to Friday - 1pm - 5pm + Saturday 27.01 & Sunday 28.01 - 1pm - 5pm

SMOKE (and more)

Michael ackerman

EN Box Galerie & L'Enfant Sauvage are pleased to collaborate for this exhibition of Michael Ackerman, the first in Belgium. Both venues present extensive excerpts from SMOKE, which is the subject of his latest book published by Editions de L’Axolotl, as well as a selection of his most iconic images.

FR La box galerie & L'Enfant Sauvage sont heureux de s'associer pour cette exposition de Michael Ackerman, la première en Belgique. Les deux lieux proposent de larges extraits de SMOKE, qui a fait l’objet de son plus récent livre, publié par les éditions de L’Axolotl, ainsi qu’une sélection de ses images les plus emblématiques.

NL Box Galerie & L'Enfant Sauvage verheugen zich op de samenwerking voor deze tentoonstelling van Michael Ackerman, de eerste in België. Beide locaties tonen uitgebreide fragmenten uit SMOKE, dat het onderwerp is van zijn nieuwste boek, uitgegeven door Editions de L’Axolotl, evenals een selectie van zijn meest iconische beelden.

« Dès sa première exposition, en 1999, il s’est imposé comme porteur d’une écriture nouvelle, radicale et singulière. Son approche de Bénarès, réunie sous le titre End Time City, rompait avec tout exotisme, toute tentative de description, toute anecdote, pour questionner le temps et la mort avec une liberté qui lui permettait de passer du panoramique – dont il renouvelait l’usage – au carré ou au rectangle. En noir et blanc, avec une prise de risque permanente qui l’amenait à explorer des lumières impossibles, il laissait éclater le grain pour imposer des visions énigmatiques et prégnantes. Qu’il s’attache à garder trace des derniers moments de Time Square habité par des paumés ou des prostituées ou qu’il conserve, en Pologne ou en Italie, le souvenir de visions de lumière et de personnages étranges, il installe toujours un monde en déliquescence, flottant, au bord du gouffre. La tonalité est sombre, les images énigmatiques et tendues, le temps à la fois suspendu et en déséquilibre, le monde est taraudé par une douleur sourde, un mal-être permanent. De fait Michael Ackerman recherche – et trouve – dans le monde qu’il traverse les correspondances à son malaise personnel, à ses doutes permanents, à ses propres angoisses. Il l’avoue, discrètement, en réalisant régulièrement des autoportraits, qui n’ont rien de narcissique, mais qui disent qu’il sait appartenir à cet univers qui va mal. » - Christian Caujolle, in Agence VU’ Galerie, Photo Poche n°107, Actes Sud, 2006

In collaboration with box galerie

L’Enfant Sauvage
Rue de l'Enseignement 23
1000 Bruxelles
0483 05 17 62
info@enfantsauvagebxl.com
www.enfantsauvagebxl.com
Friday to Saturday: 2:30pm - 7pm

Gardening the forest

Stijn Cole & Élise Péroi

EN For our next show, we will be presenting a dialogue between Stijn Cole and Elise Peroi, based on the idea of landscape fragmentation. On one hand, Stijn Cole explores the relationship between the artist and his position in the landscape through elusive and expansive moments created from subjective points of view. Elise Peroi, from the other hand, reflects on the notion of time, emptiness and landscape as a “breath”, with spatial installations that function like miniature gardens. The duo exhibition will reflect on the history and essence of landscapes.

FR Pour notre prochaine exposition, nous présenterons un dialogue entre Stijn Cole et Elise Peroi, basé sur l’idée de fragmentation du paysage. D’une part, Stijn Cole explore la relation entre l’artiste et sa position dans le paysage à travers des moments insaisissables et expansifs créés à partir de points de vue subjectifs. D’autre part, Elise Peroi réfléchit à la notion de temps, de vide et du paysage en tant que «souffle», avec des installations spatiales qui fonctionnent comme des jardins miniatures. L’exposition en duo portera sur l’histoire et l’essence des paysages.

NL Voor onze volgende tentoonstelling presenteren we een dialoog tussen Stijn Cole en Elise Peroi, gebaseerd op het concept van fragmentatie van het landschap. Aan de ene kant onderzoekt Stijn Cole de relatie tussen de kunstenaar en zijn positie in het landschap door middel van ongrijpbare en expansieve momenten gecreëerd vanuit subjectieve gezichtspunten. Aan de andere kant overdenkt Elise Peroi het begrip tijd, leegte en het landschap als een "ademhaling," met ruimtelijke installaties die functioneren als miniatuurtuinen. De gezamenlijke tentoonstelling zal zich richten op de geschiedenis en de essentie van landschappen.

Irène Laub Gallery
Rue Van Eyck 29
1050 Bruxelles
02 647 55 16
info@irenelaubgallery.com
https://irenelaubgallery.com/
Open: from Tuesday to Friday - 11am - 6pm

Lieux empruntés

FRANçOIS GéNOT & ELISE GUILLAUME

EN The upcoming exhibition "Borrowed Spaces" initiates a dialogue between the practices of François Génot (1981, Fr) and Elise Guillaume (1996, Be). Both are linked by an experimental approach situated in which the living is simultaneously the subject, co-author, and material of creation. Elise Guillaume and François Génot develop a demanding and coherent art, in line with the concerns they carry. At a time when our perception of nature, as an external and exploitable entity, has gradually dimmed our sensitivity to the subtleties of living things, the two artists strive to restore this attention by giving full space to the neglected, maltreated margins.

FR La prochaine exposition «Lieux Empruntés» ouvre un dialogue entre les pratiques de François Génot (1981, Fr) et d’Elise Guillaume (1996, Be). Tous deux sont liés par une démarche expérimentale et située dans laquelle le vivant est à la fois sujet, co-auteur, et matière de la création. Elise Guillaume et François Génot développent un art exigeant et cohérent, en accord avec les préoccupations qu’ils portent. À l’heure où notre perception de la nature, en tant qu’entité externe et exploitable, a progressivement éteint notre sensibilité aux subtilités du vivant, les deux artistes œuvrent à restaurer cette attention en accordant toute la place aux espaces en marge, malmenés, ignorés.

NL De volgende tentoonstelling "Geleende Plekken" opent een dialoog tussen de praktijken van François Génot (1981, Fr) en Elise Guillaume (1996, Be). Beiden worden verbonden door een experimentele benadering die is gelegen waarbij het leven zowel onderwerp, medeauteur als materiaal van creatie is. Elise Guillaume en François Génot ontwikkelen een veeleisende en samenhangende kunst, in overeenstemming met de zorgen die ze koesteren. In een tijd waarin onze perceptie van de natuur, als een externe en exploitabele entiteit, geleidelijk onze gevoeligheid voor de subtiliteiten van het leven heeft uitgedoofd, streven de twee kunstenaars ernaar om deze aandacht te herstellen door ruimte te geven aan randgebieden, mishandeld en genegeerd.

LMNO
Avenue Emile De Mot 17
1000 Bruxelles
0498573547
info@lmno.be
http://lmno.be/
Open: from Wednesday to Friday - 12pm - 6pm

I have seen the future

Ève Cadieux

EN Since 21 June 2023, Quebecois artist Ève Cadieux has taken over a sphere of the Atomium to present her vision of the universal exhibitions that have left their mark on both North America and Europe. ‘I Have Seen the Future’: a photographic installation, the mirror of an idealized future. The artist’s installation was designed for the Atomium. Instead of simply hanging photographs on the walls, Cadieux wanted to establish a dialogue with the architecture of this setting. The scenography gives pride of place to the marriage of light and the works.

FR Depuis le 21 juin 2023, l’artiste québécoise Ève Cadieux prend possession d’une sphère de l’Atomium pour offrir sa vision des expositions universelles qui ont marqué de leur empreinte tant l’Amérique du Nord que l’Europe. « J’ai vu le futur » : une installation photographique, miroir d’un avenir idéalisé. L’installation de l’artiste est pensée pour l’Atomium. Il ne s’agit pas, pour Cadieux, d’accrocher simplement des photographies aux murs, mais bien de dialoguer avec l’architecture de cet écrin. Le tout dans une scénographie faisant la part belle à l’union de la lumière et des œuvres.

NL Sinds 21 juni 2023 neemt Ève Cadieux, kunstenaar uit Québec, een bol in van het Atomium om haar visie te geven op wereldtentoonstellingen die hun sporen hebben nagelaten in Noord-Amerika en Europa. «Ik heb de toekomst gezien»: een fotografie-installatie, spiegel van een geïdealiseerde toekomst.

Atomium
Place de l'Atomium 1
1020 Brussels
+32 (0)2 475 47 75
info@atomium.be
www.atomium.be
Open everyday: 10am - 6pm

Erwin Blumenfeld Photography 1930-1950

Erwin blumenfeld

EN Featuring over a hundred photographs, the exhibition looks back at the life of this Berlin Jew who evolved within the cultural avant-garde movement in Amsterdam and Paris. As WWII broke out, he endured internment in a camp but was able to flee to New York in 1941 where his art blossomed with a free exploration of shapes and colors.

FR Présentant plus d’une centaine de photographies, l’exposition revient sur le destin de ce juif berlinois qui fait partie des avant-gardes culturelles à Amsterdam, puis à Paris, avant de connaître les camps d’internement lorsqu’éclate la Seconde Guerre mondiale. Parvenant in extremis à se réfugier à New York en 1941, il y mène une carrière à succès, marquée par une libre exploration de formes et de couleurs.

NL Met meer dan honderd foto's kijkt de tentoonstelling terug op het leven van deze Joodse Berlijner die zich binnen de culturele avant-garde beweging in Amsterdam en Parijs ontwikkelde. Toen de Tweede Wereldoorlog uitbrak, onderging hij internering in een kamp, maar slaagde erin om in 1941 naar New York te vluchten, waar zijn kunst tot bloei kwam met een vrije verkenning van vormen en kleuren.

Musée Juif de Belgique
Rue des Minimes 21
1000 Bruxelles
02 512 19 63
info@mjb-jmb.org
www.mjb-jmb.org/
Open: Tuesday to Friday - 10am - 5pm
Saturday to Sunday - 10am - 6pm

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Pixy Liao

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Opening:

Saturday 25 February 2023

Stieglitz19
0495 51 57 77
info@stieglitz19.be
www.stieglitz19.be
Friday, Saturday, 14:00 - 18:00